Основной фонд

Фонд Музея современного искусства «Гараж»

Видеоработа молодой видеохудожницы и режиссера Даши Лихой собрана из записей, взятых из ее личного архива, съемок, сделанных для этого фильма, и найденных записей; она сконструирована как новый художественный мир, становясь близкой к жанру автофикшена. Героиня фильма говорит по телефону с бывшим возлюбленным, зачитывая текст заявки к своему фильму и делясь бытовыми новостями. Она сталкивается с неловкостью и поэтичностью этого интимного диалога, вплоть до почти физического ощущения собственного бессилия в нем.

Художница создает ситуацию, в которой зритель становится как будто случайным свидетелем частных разговоров. Документальный и найденный материалы превращаются в артефакты художественного мира фильма, словно они были частью его реальности. Предельное зумирование, превращающее изображения в абстракцию, наложение экранов и материальность экранного пространства поддерживают эту тонкую конструкцию.

Повседневность становится полем, в котором разворачиваются глубокие чувственные переживания: регистры бытового и запредельно эмоционального сменяются и поощряют друг друга. 

В Музее «Гараж» работа представлена как инсталляция: легкие колебания парашютной ткани, на которую она проецируется, рифмуется с сюжетом фильма и создает особую тактильность восприятия, меняя геометрию и цвет видео, но в то же время насыщая их случайностью движения.

Видеоработа молодой видеохудожницы и режиссера Даши Лихой собрана из записей, взятых из ее личного архива, съемок, сделанных для этого фильма, и найденных записей; она сконструирована как новый художественный мир, становясь близкой к жанру автофикшена. Героиня фильма говорит по телефону с бывшим возлюбленным, зачитывая текст заявки к своему фильму и делясь бытовыми новостями. Она сталкивается с неловкостью и поэтичностью этого интимного диалога, вплоть до почти физического ощущения собственного бессилия в нем.

Художница создает ситуацию, в которой зритель становится как будто случайным свидетелем частных разговоров. Документальный и найденный материалы превращаются в артефакты художественного мира фильма, словно они были частью его реальности. Предельное зумирование, превращающее изображения в абстракцию, наложение экранов и материальность экранного пространства поддерживают эту тонкую конструкцию.

Повседневность становится полем, в котором разворачиваются глубокие чувственные переживания: регистры бытового и запредельно эмоционального сменяются и поощряют друг друга. 

В Музее «Гараж» работа представлена как инсталляция: легкие колебания парашютной ткани, на которую она проецируется, рифмуется с сюжетом фильма и создает особую тактильность восприятия, меняя геометрию и цвет видео, но в то же время насыщая их случайностью движения.

Текст заявки к фильму

Огни Москвы

В видео «Ее пять жизней» Саодат Исмаилова, важный голос в постсоветском искусстве Центральной Азии, прослеживает трансформацию женского образа в Узбекистане через историю кино своей страны.

В этом фильме художница использует прием, характерный для эссеистических практик, — монтаж коротких кино- и видеофрагментов, объединенных одной темой или визуальным мотивом (англ. supercut). «Ее пять жизней» создан из узбекских фильмов (с участием женских персонажей), снятых на протяжении века: самая ранняя лента, к которой обращается Исмаилова, — выпущенный в 1925 году «Минарет смерти» Вячеслава Висковского.

Склейка различных сюжетов, как очень личных, так и отсылающих к большим историческим нарративам, создает образ героини — женщины, путешествующей через свои «пять жизней» — пять этапов истории Узбекистана. Используя феминистскую оптику, внимательную к проявлениям насилия и распределению власти, художница выстраивает объемный картину положения женщины в социальной и политической жизни страны. Визуальный ряд фильма поддерживается сложным аудиоландшафтом, составленным из музыки, написанной для узбекского кино.

В видео «Ее пять жизней» Саодат Исмаилова, важный голос в постсоветском искусстве Центральной Азии, прослеживает трансформацию женского образа в Узбекистане через историю кино своей страны.

В этом фильме художница использует прием, характерный для эссеистических практик, — монтаж коротких кино- и видеофрагментов, объединенных одной темой или визуальным мотивом (англ. supercut). «Ее пять жизней» создан из узбекских фильмов (с участием женских персонажей), снятых на протяжении века: самая ранняя лента, к которой обращается Исмаилова, — выпущенный в 1925 году «Минарет смерти» Вячеслава Висковского.

Склейка различных сюжетов, как очень личных, так и отсылающих к большим историческим нарративам, создает образ героини — женщины, путешествующей через свои «пять жизней» — пять этапов истории Узбекистана. Используя феминистскую оптику, внимательную к проявлениям насилия и распределению власти, художница выстраивает объемный картину положения женщины в социальной и политической жизни страны. Визуальный ряд фильма поддерживается сложным аудиоландшафтом, составленным из музыки, написанной для узбекского кино.

Её пять жизней

Фильм художницы Ольги Гротовой посвящен трагическим событиям ее собственной семейной истории, которые определили ее интерес к частным женским практикам обработки земли. Художница рассматривает садоводство и огородничество как один из способов женского самовыражения и сопротивления репрессиям и тоталитарному давлению. 

В 1930‑е годы тысячи иностранцев, приехавших работать в СССР, стали жертвами Большого террора. Жен, сестер, матерей и детей иностранцев отправляли в АЛЖИР (Акмолинский лагерь жен изменников Родины) — лагерь системы ГУЛАГа в Казахской ССР (ныне Республика Казахстан), — как родственниц «изменников родины» и «врагов народа». Так среди узниц лагеря оказались Клавдия и Марина — прабабушка и бабушка Гротовой. 

Телесность видеоматериала и акцентированная материальность 8‑мм пленки, на которую снят фильм, становятся одним из ведущих приемов, позволяющих художнице создать точный язык осмысления истории. Проживание трагедии исторического масштаба становится чувственно доступно через практики садоводства (как личные, так и коллективные, основанные на взаимопомощи), поддерживавшие сообщество репрессированных женщин и пронесенные ими через жизнь. Такая телесная воплощенность камеры и рассказчика — важный мотив для видеоэссеистических практик, лежащий в основе сложной структуры фильма и художественного исследования. 

Работа была создана в рамках исследовательского проекта «Садоводство‑Дружба» направления «Полевые исследования» Музея «Гараж».

Фильм художницы Ольги Гротовой посвящен трагическим событиям ее собственной семейной истории, которые определили ее интерес к частным женским практикам обработки земли. Художница рассматривает садоводство и огородничество как один из способов женского самовыражения и сопротивления репрессиям и тоталитарному давлению. 

В 1930‑е годы тысячи иностранцев, приехавших работать в СССР, стали жертвами Большого террора. Жен, сестер, матерей и детей иностранцев отправляли в АЛЖИР (Акмолинский лагерь жен изменников Родины) — лагерь системы ГУЛАГа в Казахской ССР (ныне Республика Казахстан), — как родственниц «изменников родины» и «врагов народа». Так среди узниц лагеря оказались Клавдия и Марина — прабабушка и бабушка Гротовой. 

Телесность видеоматериала и акцентированная материальность 8‑мм пленки, на которую снят фильм, становятся одним из ведущих приемов, позволяющих художнице создать точный язык осмысления истории. Проживание трагедии исторического масштаба становится чувственно доступно через практики садоводства (как личные, так и коллективные, основанные на взаимопомощи), поддерживавшие сообщество репрессированных женщин и пронесенные ими через жизнь. Такая телесная воплощенность камеры и рассказчика — важный мотив для видеоэссеистических практик, лежащий в основе сложной структуры фильма и художественного исследования. 

Работа была создана в рамках исследовательского проекта «Садоводство‑Дружба» направления «Полевые исследования» Музея «Гараж».

Своей дочери я скажу

Дар художника

Приобретено у художницы

Приобретено у художника

Приобретено у Андрея Мизиано

Дар Михаила Овчаренко

Дар Антона Белова

Татьяна Эфрусси — художница и исследовательница, выпускница Московской школы фотографии и мультимедиа им. А. Родченко, Академии изящных искусств в Париже, доктор истории архитектуры Кассельского университета. В своей практике она обращается к историческим нарративам и теме памяти, анализируя прошлое и его место в настоящем. Работая на стыке художественного и документального, фикции и реальности, Эфрусси переосмысляет опыт различных сообществ и судьбы своих героев, используя разнообразные медиа — от перформанса, видео и инсталляции до живописи. В центре ее внимания — исследование различных техник повествования и их роли в конструировании историй.
В 2020 году художница создала десятистраничный альбом, сшитый из фрагментов бытовых синтетических пакетов бренда Belle France. На каждом развороте — идеально отретушированные изображения продуктов с одной стороны и выполненные акрилом рисунки сорных трав (mauvaises herbes), произрастающих в регионе Иль‑де‑Франс, с другой. Иронично противопоставляя стерильную символику «Прекрасной Франции» и хаотичную, нежелательную природу «безобразного сорняка», Эфрусси размышляет о детерминированности общества, механизмах сегрегации и границах социального равенства.

Татьяна Эфрусси — художница и исследовательница, выпускница Московской школы фотографии и мультимедиа им. А. Родченко, Академии изящных искусств в Париже, доктор истории архитектуры Кассельского университета. В своей практике она обращается к историческим нарративам и теме памяти, анализируя прошлое и его место в настоящем. Работая на стыке художественного и документального, фикции и реальности, Эфрусси переосмысляет опыт различных сообществ и судьбы своих героев, используя разнообразные медиа — от перформанса, видео и инсталляции до живописи. В центре ее внимания — исследование различных техник повествования и их роли в конструировании историй.
В 2020 году художница создала десятистраничный альбом, сшитый из фрагментов бытовых синтетических пакетов бренда Belle France. На каждом развороте — идеально отретушированные изображения продуктов с одной стороны и выполненные акрилом рисунки сорных трав (mauvaises herbes), произрастающих в регионе Иль‑де‑Франс, с другой. Иронично противопоставляя стерильную символику «Прекрасной Франции» и хаотичную, нежелательную природу «безобразного сорняка», Эфрусси размышляет о детерминированности общества, механизмах сегрегации и границах социального равенства.

Mauvaises herbes

Федор Хиросигэ выстраивает мифологию, в которой различные образы и сюжеты изымаются из привычных контекстов и собираются в неожиданных, зачастую абсурдных конфигурациях. Художница объединяет персонажей из комиксов, манги и анимационных телесериалов с героями фольклора. Хиросигэ исследует тему аффекта, часто обращаясь к множественному повторению одного образа или его элементов в различных формах. Она работает с графикой, живописью, видео и перформансом, а также создает деревянные объекты и инсталляции с применением техники пирографии — выжиганием раскаленной иглой. 

«Богиня» — перформативный объект, состоящий из деревянной скульптуры, аудиодорожки и инструкции по взаимодействию с произведением. Работа была создана как часть инсталляции «Глиттер в красную ночь» для Дома Наркомфина. Художникам проекта «Опытная ячейка 13 16 45» предлагалось осмыслить провал коммунистической утопии, выявить идейные упущения, которые возникли при проектировании дома переходного типа, и придумать альтернативные способы жизни в нем. Федор Хиросигэ создала инсталляцию для ритуального взаимодействия с этим рационально сконструированным зданием.

На одной стороне скульптуры изображена Сейлор Мун с ангельскими крыльями — шестая реинкарнация известного персонажа, которая появляется в последнем сезоне аниме‑сериала. В этом воплощении героиня достигает предела своих магических и боевых способностей. Для трансформации она использует сердцевидную брошь, из которой вырывается энергия розового цвета. Оборотная сторона работы полностью закрашена в кроваво‑красный цвет и представляет аллегорию на флаг СССР. Работу сопровождает аудиодорожка со стихотворением Пушкина «Пророк», в котором описывается встреча поэта с шестикрылым серафимом. Превращение в пророка, если воспринимать стихотворение буквально, сопровождает масса насильственных действий, в том числе вырезание сердца с последующей заменой на раскаленный уголь. Наложение двух голосов при прочтении стиха отсылает к механике введения человека в транс. Произведение предъявляет два противоположных подхода к изменению личности в ситуации перехода. Сейлор Мун воплощает здесь альтернативную силу, а наивное, волшебное и феминное предлагается воспринять как актуальное знание и стратегию для внутреннего сопротивления внешнему насилию. Зрительский опыт можно углубить за счет более длительного взаимодействия с работой, доведя просмотр произведения искусства до «медитации на образ» — подобия духовной практики в игровой форме. Медитация, по словам художницы, нацелена на культивирование в зрителе потаенной богини и развитие стойкости перед лицом неизбежного откровения.

 Федор Хиросигэ выстраивает мифологию, в которой различные образы и сюжеты изымаются из привычных контекстов и собираются в неожиданных, зачастую абсурдных конфигурациях. Художница объединяет персонажей из комиксов, манги и анимационных телесериалов с героями фольклора. Хиросигэ исследует тему аффекта, часто обращаясь к множественному повторению одного образа или его элементов в различных формах. Она работает с графикой, живописью, видео и перформансом, а также создает деревянные объекты и инсталляции с применением техники пирографии — выжиганием раскаленной иглой. 

«Богиня» — перформативный объект, состоящий из деревянной скульптуры, аудиодорожки и инструкции по взаимодействию с произведением. Работа была создана как часть инсталляции «Глиттер в красную ночь» для Дома Наркомфина. Художникам проекта «Опытная ячейка 13 16 45» предлагалось осмыслить провал коммунистической утопии, выявить идейные упущения, которые возникли при проектировании дома переходного типа, и придумать альтернативные способы жизни в нем. Федор Хиросигэ создала инсталляцию для ритуального взаимодействия с этим рационально сконструированным зданием.

На одной стороне скульптуры изображена Сейлор Мун с ангельскими крыльями — шестая реинкарнация известного персонажа, которая появляется в последнем сезоне аниме‑сериала. В этом воплощении героиня достигает предела своих магических и боевых способностей. Для трансформации она использует сердцевидную брошь, из которой вырывается энергия розового цвета. Оборотная сторона работы полностью закрашена в кроваво‑красный цвет и представляет аллегорию на флаг СССР. Работу сопровождает аудиодорожка со стихотворением Пушкина «Пророк», в котором описывается встреча поэта с шестикрылым серафимом. Превращение в пророка, если воспринимать стихотворение буквально, сопровождает масса насильственных действий, в том числе вырезание сердца с последующей заменой на раскаленный уголь. Наложение двух голосов при прочтении стиха отсылает к механике введения человека в транс. Произведение предъявляет два противоположных подхода к изменению личности в ситуации перехода. Сейлор Мун воплощает здесь альтернативную силу, а наивное, волшебное и феминное предлагается воспринять как актуальное знание и стратегию для внутреннего сопротивления внешнему насилию. Зрительский опыт можно углубить за счет более длительного взаимодействия с работой, доведя просмотр произведения искусства до «медитации на образ» — подобия духовной практики в игровой форме. Медитация, по словам художницы, нацелена на культивирование в зрителе потаенной богини и развитие стойкости перед лицом неизбежного откровения.

Богиня

Автопортрет Шамиля Ахмеда, сделанный руками дагестанских ковровщиц, вступает в диалог с локальной традицией и в то же время отражает современные практики. Ковры с изображением имама Шамиля в Дагестане чрезвычайно популярны. Имам Чечни и Дагестана, успешно воевавший с Российской империей при Николае I и побежденный при Александре II, до сих пор воспринимается жителями региона как символ независимости и доблести. Форма портрета на ковре имеет и современные версии: многие семьи заказывают тканые изображения успешных или знаменитых родственников. Вставив себя в такой ковер, Ахмед создает культурный парадокс, в высшей степени характерный для многонациональной империи. С одной стороны, это ультрасовременный подход: Ахмед работает как постстудийный художник, создающий только смысл, а фактуру заказывающий у мастеров овеществления. С другой — художнику из Дагестана трудно выбраться из омута ксенофобских стереотипов, предписывающих мужчинам региона определенные поведение и жизненный путь. В этом отношении Ахмед тоже борец за независимость, только не от штампов, а от тех, кто их изготовляет. Для самого художника эта работа — «про построение мифа как порождения поэтического каприза и умения общества легитимизировать абсурд». Помимо самого ковра в экспозиции представлена документация выставки ковра в Дагестанском музее изобразительных искусств им. П. С. Гамзатовой в Махачкале.

Автопортрет Шамиля Ахмеда, сделанный руками дагестанских ковровщиц, вступает в диалог с локальной традицией и в то же время отражает современные практики. Ковры с изображением имама Шамиля в Дагестане чрезвычайно популярны. Имам Чечни и Дагестана, успешно воевавший с Российской империей при Николае I и побежденный при Александре II, до сих пор воспринимается жителями региона как символ независимости и доблести. Форма портрета на ковре имеет и современные версии: многие семьи заказывают тканые изображения успешных или знаменитых родственников. Вставив себя в такой ковер, Ахмед создает культурный парадокс, в высшей степени характерный для многонациональной империи. С одной стороны, это ультрасовременный подход: Ахмед работает как постстудийный художник, создающий только смысл, а фактуру заказывающий у мастеров овеществления. С другой — художнику из Дагестана трудно выбраться из омута ксенофобских стереотипов, предписывающих мужчинам региона определенные поведение и жизненный путь. В этом отношении Ахмед тоже борец за независимость, только не от штампов, а от тех, кто их изготовляет. Для самого художника эта работа — «про построение мифа как порождения поэтического каприза и умения общества легитимизировать абсурд». Помимо самого ковра в экспозиции представлена документация выставки ковра в Дагестанском музее изобразительных искусств им. П. С. Гамзатовой в Махачкале.

Idem

Павел Альтхамер — польский художник, скульптор и автор перформансов, один из ключевых представителей «Кузницы» (Kowalnia) — мастерской Гжегожа Ковальского в Академии изящных искусств в Варшаве, определившей вектор развития польского искусства 1990‑х годов. В своей практике он обращается к нетрадиционным материалам, психофизическим практикам и различным формам социального взаимодействия. Сотрудничество с фондом «Группа Новолипье — окрыленные», который помогает людям с рассеянным склерозом, проекты «Общее дело» с жителями варшавского района Брудно и «Класс Эйнштейна» с трудными подростками демонстрируют интерес художника к партиципаторному искусству и преодолению границ между искусством и жизнью. Для Альтхамера подобное взаимодействие не только терапевтический процесс, но и способ социализации людей, зачастую остающихся невидимыми для общества.

В 2021 году художник разбил рядом с Музеем «Гараж» небольшой ландшафтный сад, в котором объединялись несочетаемые растения, предназначенный для медитаций и созерцания. Инсталляция, получившая название «Тишина», была задумана как место встречи разных социальных групп, где с помощью духовно‑телесных практик и тифломедиаций можно было по‑новому прочувствовать окружающую действительность. Графические работы «Без названия» появились во время подготовки инсталляции и вовлекали локальное сообщество в коллективное сотворчество. Альтхамер и куратор проекта Андрей Мизиано организовали домашнюю вечеринку с участием художников, музыкантов, дизайнеров, галеристов и друзей, предложив им зафиксировать на бумаге впечатления от встречи. Художник обозначил композицию, а участники наполнили ее хаотическими жестами: кто‑то оставил хулиганские надписи, кто‑то написал курс биткоина, кто‑то просто провел рукой по листу. В результате возникла многослойная графика, своеобразный дневник коллективного переживания. Эти работы фиксируют процесс совместного действия, в котором границы авторства размываются, а художественный акт становится формой общения и спонтанного объединения.

Павел Альтхамер — польский художник, скульптор и автор перформансов, один из ключевых представителей «Кузницы» (Kowalnia) — мастерской Гжегожа Ковальского в Академии изящных искусств в Варшаве, определившей вектор развития польского искусства 1990‑х годов. В своей практике он обращается к нетрадиционным материалам, психофизическим практикам и различным формам социального взаимодействия. Сотрудничество с фондом «Группа Новолипье — окрыленные», который помогает людям с рассеянным склерозом, проекты «Общее дело» с жителями варшавского района Брудно и «Класс Эйнштейна» с трудными подростками демонстрируют интерес художника к партиципаторному искусству и преодолению границ между искусством и жизнью. Для Альтхамера подобное взаимодействие не только терапевтический процесс, но и способ социализации людей, зачастую остающихся невидимыми для общества.

В 2021 году художник разбил рядом с Музеем «Гараж» небольшой ландшафтный сад, в котором объединялись несочетаемые растения, предназначенный для медитаций и созерцания. Инсталляция, получившая название «Тишина», была задумана как место встречи разных социальных групп, где с помощью духовно‑телесных практик и тифломедиаций можно было по‑новому прочувствовать окружающую действительность. Графические работы «Без названия» появились во время подготовки инсталляции и вовлекали локальное сообщество в коллективное сотворчество. Альтхамер и куратор проекта Андрей Мизиано организовали домашнюю вечеринку с участием художников, музыкантов, дизайнеров, галеристов и друзей, предложив им зафиксировать на бумаге впечатления от встречи. Художник обозначил композицию, а участники наполнили ее хаотическими жестами: кто‑то оставил хулиганские надписи, кто‑то написал курс биткоина, кто‑то просто провел рукой по листу. В результате возникла многослойная графика, своеобразный дневник коллективного переживания. Эти работы фиксируют процесс совместного действия, в котором границы авторства размываются, а художественный акт становится формой общения и спонтанного объединения.

Без названия (из проекта «Тишина»)

Поэзия зрелых исканий

Ербосын Мельдибеков — казахстанский мультидисциплинарный художник, чья практика сосредоточена на исследовании политических и культурных процессов Центральной Азии. Он осмысляет исторические артефакты, документы и героев, выявляя противоречия, лежащие в основе построения новой национальной идентичности. Цикличность времени, специфика функционирования коллективной памяти и наследие советской идеологии становятся ключевыми темами его работ. Анализ фрагментов прошлого приобретает форму непрерывного визуального исследования: Мельдибеков часто возвращается к одним и тем же сюжетам. Особое место в его искусстве занимает образ памятника как инструмента критического осмысления постсоветской реальности и знака культурных трансформаций региона.
«Пять версий падения автора, или Тридцать лет и три секунды» — это серия скульптур, посвященная размышлениям о природе тоталитарной власти в Центральной Азии. Это пять зафиксированных в статике стадий падения монумента Нурсултану Назарбаеву — бессменному лидеру Казахстана с 1989 по 2019 год. Каждая из фигур отсылает к знаковым эпизодам разрушения памятников XX—XXI веков: Феликсу Дзержинскому в Алматы (1992), Иосифу Сталину в Праге (1962), Владимиру Ленину в Харькове (2014), Саддаму Хусейну в Багдаде (2003) и, наконец, самому Назарбаеву в Талдыкоргане (2022).

Ербосын Мельдибеков — казахстанский мультидисциплинарный художник, чья практика сосредоточена на исследовании политических и культурных процессов Центральной Азии. Он осмысляет исторические артефакты, документы и героев, выявляя противоречия, лежащие в основе построения новой национальной идентичности. Цикличность времени, специфика функционирования коллективной памяти и наследие советской идеологии становятся ключевыми темами его работ. Анализ фрагментов прошлого приобретает форму непрерывного визуального исследования: Мельдибеков часто возвращается к одним и тем же сюжетам. Особое место в его искусстве занимает образ памятника как инструмента критического осмысления постсоветской реальности и знака культурных трансформаций региона.
«Пять версий падения автора, или Тридцать лет и три секунды» — это серия скульптур, посвященная размышлениям о природе тоталитарной власти в Центральной Азии. Это пять зафиксированных в статике стадий падения монумента Нурсултану Назарбаеву — бессменному лидеру Казахстана с 1989 по 2019 год. Каждая из фигур отсылает к знаковым эпизодам разрушения памятников XX—XXI веков: Феликсу Дзержинскому в Алматы (1992), Иосифу Сталину в Праге (1962), Владимиру Ленину в Харькове (2014), Саддаму Хусейну в Багдаде (2003) и, наконец, самому Назарбаеву в Талдыкоргане (2022). 

Пять версий падения автора, или Тридцать лет и три секунды

«Огни Москвы», впервые показанные на 2‑й Триеннале российского современного искусства (2020), рассказывают историю переезда издательства «Глущенкоиздат» из родного Калининграда в Москву. О причинах переезда говорится кратко и неопределенно (финансовые проблемы); деятельность издательства и его основатель также остаются за кадром. Между тем проект Кирилла Глущенко — один из самых успешных примеров создания квазиинституции в отечественном искусстве последних лет. За время работы «Глущенкоиздат» выпустил несколько фотоальбомов, посвященных постсоциалистическим городам Восточной Европы (Псков, Дрезден, Калининград), и провел монументальную «отчетную выставку» издательства «Прекрасен облик наших будней» (бывший корпус мебельной фабрики «Москва», 2016). 

 Название видео заимствовано у кафе, открытого в июне 1976 года на Московском проспекте в Калининграде. Само здание в фильме не появляется. Тем не менее Калининград с его смесью застройки немецкого и советского периодов является центральным персонажем фильма. 

 Для Глущенко эстетика европейского города с регулярной планировкой — предмет ностальгии и любования. Да и сама эпоха застоя не кажется такой уж неуютной: интеллектуалам и творческим людям в то время вместо полной свободы предоставлялся широкий выбор гибких стратегий двоемыслия. Можно было полностью уйти в профессию, где тебя никто не трогает, можно было работать полгода официально, полгода для себя или просто сидеть в котельной и писать стихи. Фильм Глущенко погружает и зрителей в блаженное состояние безвременья, аполитичного и даже благородного.

 «Огни Москвы», впервые показанные на 2‑й Триеннале российского современного искусства (2020), рассказывают историю переезда издательства «Глущенкоиздат» из родного Калининграда в Москву. О причинах переезда говорится кратко и неопределенно (финансовые проблемы); деятельность издательства и его основатель также остаются за кадром. Между тем проект Кирилла Глущенко — один из самых успешных примеров создания квазиинституции в отечественном искусстве последних лет. За время работы «Глущенкоиздат» выпустил несколько фотоальбомов, посвященных постсоциалистическим городам Восточной Европы (Псков, Дрезден, Калининград), и провел монументальную «отчетную выставку» издательства «Прекрасен облик наших будней» (бывший корпус мебельной фабрики «Москва», 2016). 

 Название видео заимствовано у кафе, открытого в июне 1976 года на Московском проспекте в Калининграде. Само здание в фильме не появляется. Тем не менее Калининград с его смесью застройки немецкого и советского периодов является центральным персонажем фильма. 

 Для Глущенко эстетика европейского города с регулярной планировкой — предмет ностальгии и любования. Да и сама эпоха застоя не кажется такой уж неуютной: интеллектуалам и творческим людям в то время вместо полной свободы предоставлялся широкий выбор гибких стратегий двоемыслия. Можно было полностью уйти в профессию, где тебя никто не трогает, можно было работать полгода официально, полгода для себя или просто сидеть в котельной и писать стихи. Фильм Глущенко погружает и зрителей в блаженное состояние безвременья, аполитичного и даже благородного. 

Плакат из проекта «Огни Москвы»

1. Открытый доступ

Мастер

Родился в Калининграде. Окончил Институт проблем современного искусства (Москва) и отделение фотографии Лейпцигской художественной академии. Избранные групповые выставки: «Шоссе энтузиастов» (Каза‑деи‑Тре‑Очи, Венеция, 2012), «Детектив» (Московский музей современного искусства, 2014), «пространство сила конструкция» (V‑A-C Дзаттере, Венеция, 2017), «Генеральная репетиция» (Московский музей современного искусства, 2018), 2‑я Триеннале российского современного искусства (Музей современного искусства «Гараж», Москва, 2020). Лауреат Государственной премии в области современного искусства «Инновация» в номинации «Новая генерация» (2017), премии Marion‑Ermer Preis (Лейпциг, 2018), премии Architectural Book Award (Франкфурт‑на‑Майне, 2019) и конкурса Best Book Design From All Over the World (Франкфурт‑на‑Майне, 2020). Стипендиат Культурного фонда земли Саксония (2018).

Глущенко Кирилл

Родилась в Приозерске (Ленинградская область). Окончила лабораторию неигрового кино в Московской школе нового кино (2022). Ее фильмы были показаны и завоевали призы на международных фестивалях в Москве, Санкт‑Петербурге, Ньоне (Швейцария) и др. Резидентка программы Мастерских и арт‑резиденций Музея «Гараж» (Москва, 2024).

Лихая Даша

Альтхамер Павел

Шамиль Ахмед (род. 1991, с. Артыбаш, Республика Алтай) работает с темой личных переживаний и исследует высказывания, которые транслируют новые медиа. Интересуется архитектурой, руинами советского прошлого и механизмами построения мифов. Создает скульптуры, инсталляции, фото- и видеоработы.

Ахмед Шамиль

Родилась в Челябинске. Художница. Окончила Королевский колледж искусств (магистр живописи; Лондон, 2016). Участница образовательной программы Syllabus VI Центра искусств Wysing (Кембридж) и резиденции PRAKSIS (Осло, 2019). В 2018 году в галерее Centrala (Бирмингем) открылась персональная выставка Debris on a Luminous Plain. Избранные групповые выставки: «Blue.Seventeen: Ольга Гротова, Ника Неелова и Елена Попова» (галерея Osnova, Москва, 2017), XVII. The Age of Nymphs (Mimosa House, Лондон, 2017), «Пятая волна» (Государственный музей архитектуры им. А. В. Щусева, Москва, 2021). Лауреат премий Space Artist Award (2021) и DYCP Award (2021). Живет и работает в Лондоне.

Гротова Ольга

Родился в поселке Тюлькубас (Казахская ССР). Окончил Казахскую национальную академию искусств им. Т. Жургенова по специальности «Монументальная скульптура» (1992). Участник Венецианской биеннале (павильон Центральной Азии, 2005, 2011), Биеннале в Кванджу (2012) и Азиатско‑Тихоокеанской триеннале (2012).

Мельдибеков Ербосын

Сефербекова Гулает

Хаджи Ильяс

Родилась в Ташкенте. Автор художественных и документальных фильмов, видеоинсталляций. Окончила Ташкентский государственный институт искусств им. М. Уйгура и Французскую национальную студию современного искусства Le Fresnoy (Туркуэн, Франция). Ее фильмы и видеоинсталляции были представлены в Павильоне Центральной Азии на 55‑й Венецианской биеннале (2013), кинофестивалях в Берлине, Роттердаме, Копенгагене, а также в Центре Помпиду (Париж). Сценические работы были реализованы в Бруклинской музыкальной академии (Нью‑Йорк), Музее на набережной Бранли (Париж) и других площадках по всему миру.

Исмаилова Саодат

Хиросигэ Фёдор

Родилась в Москве. Окончила Московский государственный университет им. М. В. Ломоносова (2011) и Московскую школу фотографии и мультимедиа им. А. Родченко (2015). Получила степень PhD в Кассельском университете (2020). Участница художественно‑экономического объединения «Летучая Кооперация». Куратор фотографического воркшопа «Баухаус в России. Призраки» (совместно с Юрием Пальминым) в рамках выставки «„bauhaus imaginista. Школа в движении. Архитекторы‑интернационалисты“ (Музей современного искусства „Гараж“, Москва, 2018). Автор научных статей по истории архитектуры.

Эфрусси Татьяна

Музей современного искусства «Гараж», Россия

Дагестан

Объекты

Скульптура

Коммунизм

2020‑е

Видео

Польша

Инсталляция

Казахстан

Видеоарт

Графика

Плакат

Книга художника

Объект

Да

Автор

При участии

В запаснике

7-9 лет

10-14 лет

15-17 лет

0-6 лет

Изобразительное искусство

Архитектура

Фотография

Журналистика

Психология

Музыка

Семейные

Поток

Серия

Семинары, воркшопы и тренинги

Лекции и дискуссии

Концерты, спектакли и перформансы

Кинопоказы

Выставки

Курсы

Экскурсии

Конференции

Выставки и проекты

Новость

Интервью

Talks

Циклы лекций

Конференции и семинары

Презентации книг

Арт Гид

Издательская программа Музея современного искусства «Гараж»

Спонсоры, патроны и партнеры

Информационные партнеры

Cовместная издательская программа Музея современного искусства «Гараж» и Artguide Editions

Международная издательская программа Музея «Гараж»

События библиотеки

Книги на английском

Garage Screen

Русский

Английский

Двуязычное издание (русский, английский)

Кинопрограммы

Клуб Музея «Гараж»

Программы к выставкам

События

Garage Live

Garage Dance

Академическая программа

Гранты

Полевые исследования

Клуб GARAGE

Патронство

Мастерские Музея «Гараж»

Mosaic Music

GARAGE студенческая

Гараж.txt

Кинофестиваль

Кинопрокат

Жестовый язык

Ментальные особенности

Миграционный опыт

Тифлокомментарий

Тактильные модели

Руководства по доступности

Физическая доступность

GARAGE индивидуальная

Цифровая доступность

Разнообразие

Мероприятия в «Гараже»

Издательская программа Музея современного искусства «Гараж» и издательство Strelka Press

Текст

Аудио

Спецпроект

Путеводитель

GARAGE индивидуальная+1

Исследовательские лаборатории

Художественные исследования

Перевод на русский жестовый язык

Субтитры

Адаптированные экскурсии

Тихая комната

Перевод на узбекский, таджикский, кыргызский языки 

GARAGE премиум

«Мы храним наши белые сны»

«Пространство 1520»

Современная критическая мысль

Директорская серия

The Garage Journal

GARAGE круг ценителей 

Темпоральность

Инвалидность

Аффект

Преодоление

Искусство

Тело

Вневременность

Ненормативная телесность

GARAGE клуб коллекционеров

Опыт другого

Инаковость

Психическое здоровье

Травма

Личный опыт

Нейросети

Язык

7-11 лет

На ясном языке

Garage Café

Расписание занятий в компьютерном классе

Медиации

Расписание занятий в КК

Олег Баранов Going Down

Подкасты

Полка месяца. Театр

Страница издательской программы

Цикл встреч с резидентами мастерских Музея «Гараж» «Путевка в?..»

Опен-коллы

Полка месяца. Кино

Полка месяца. Современный танец

Проекты «Устная история» и «Устная история 2.0»

Посетителям, передвигающимся на инвалидной коляске

ГАРАЖ.txt

Открытое хранение

Исследовательская лаборатория «Я — бандероль, Вы — штамп»

Исследовательская лаборатория ВОКС kinema

Лаборатория изучения советского искусства Центра авангарда

Каталог коллекции

Сортировать: